| das Quartett |
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| Das álvarez-klavierquartett besteht
seit über 20 Jahren. Das Ensemble hat unzählige Konzerte im In-
und Ausland gegeben, zahlreiche Tonaufnahmen und Fernseh-auftritte legen
Zeugnis ab vom Können der vier. Über die Einspielung des Brahms-Quartetts,
op. 60, heißt es in einer Rezension: »Man müsste annehmen,
sie spielten um ihr Leben. Bedingungsloser kenne ich dieses Klavierquartett
von keiner anderen Besetzung. Sicher, Rubinstein und die Guaneri-Leute
spielen technisch manchmal perfekter, aber auch platter, reibungsloser,
ohne Kanten, ohne diesen Russisch-Roulette-Effekt des Alles oder Nichts.«
Der Kritiker Wolf Eberhard von Lewinski schrieb über das álvarez-klavierquartett: »Klavierquartette gelten als besondere Rarität. Sie erfordern vier markante Solisten, die neben virtuoser Technik und gegründeter Musikalität einen spezifischen Kammer-musiksinn mitbringen müssen, um die charakteristische Klangbalance erreichen zu können. Um so bedeutsamer, eigentlich ein Glücksfall, dass diese vier Musiker mit Eigenprofil den Entschluss fassten, ein Klavierquartett zu gründen.« |
| The álvarez piano quartet is now
in its twentieth year. The ensemble has given countless concerts both at
home and abroad; numerous recordings and television appearances testify
to the talents of the four. According to one review of a performance of
the Brahms quartet op. 60, "one has to assume that they were playing for
their lives. I know of no performance of this piano quartet by another
ensemble that is more unconditional. Of course Rubinstein and the Guaneri
sometimes play with more technical accuracy, but their playing is also
flatter, smoother, without edges, without this effect of Russian roulette,
of everything or nothing".
The critic Wolf Eberhard von Lewinski wrote of the álvarez piano quartet: "Piano quartets are especially rare. They require four prominent soloists, who in addition to nearly virtuosic technique and well-established musicality have a specific awareness of chamber music if they are to produce the characteristic balance of tones. Therefore it is even more remarkable, actually a lucky chance, that these four musicians, each a soloist in his/her own right, decided to found a piano quartet". |
| Le Quatuor pour piano álvarez exécuta
d'innombrables concerts en Allemagne comme à l'étranger pendant
plus de 20 ans ; de nombreux enregistrements sonores et télévisuels
témoignent du talent de leurs quatre interprètes. Un article
au sujet de leur enregistrement du quatuor opus 60 de Brahms rapporte :
« On a l'impression qu'ils jouent leur vie. Je ne connais pas d'autre
ensemble instrumental interprétant ce quatuor pour piano de manière
plus inconditionnelle. Rubinstein et les Guaneri affichent certainement
une technique parfois plus parfaite mais aussi plus plate, sans aspérité,
sans arête, sans cet effet de roulette russe du Tout ou Rien. »
Le critique Wolf Eberhard von Lewinski écrivit au sujet du Quatuor Alvarez: « Les quatuors pour piano passent pour être des curiosités. Ils requièrent quatre solistes remarquables, capables d'apporter, outre une virtuosité technique et une musicalité avérée, un sens spécifique à la musique de chambre, afin d'aboutir à cette balance sonore caractéristique. Avoir pris l'initiative de constituer un tel quatuor pour piano est une réussite et une aubaine d'autant plus remarquables que chacun de ses membres est doté d'un profil particulier. » |
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Carmen Piazzini stammt aus einer bekannten
Musikerfamilie in Buenos Aires. Ihr Großvater Edmondo, ein enger
Freund Puccinis, war aus Italien nach Argentinien ausgewandert. Die Pianistin
wurde bei Vincenzo Scaramuzza, Hans Leygraf und Wilhelm Kempff ausgebildet.
Konzertsaal, Rundfunk, Fernsehen und CDs belegen eine eindrucksvolle solistische
Karriere mit einem breit gefächerten Repertoire Es reicht von der
Klassik bis zur zeitgenössischen Musik. Carmen Piazzini konzertierte
u. a. mit den Radiosinfonieorchestern des Südwestfunks (Michael Gielen)
und des Bayerischen Rundfunks, den Münchner Philharmonikern (Christoph
Eschenbach), den Moskauer Symphonikern und dem Sinfonieorchester Buenos
Aires (Leopold Hagen).Sie ist eine gesuchte Kammermusikpartnerin, u. a.
musizierte sie mit Ulf Hoelscher, Dimitri Sitkovetski, Gustav Rivinius,
Peter Wolf, Bernarda Fink, Alicia Nafé und Gabriele Schnaut. Aus
über 50 CD-Einspielungen ragen die Gesamtaufnahmen aller Klaviersonaten
und Klavierkonzerte von Mozart (St. Petersburger Solisten), sämtlicher
Klaviersonaten von Haydn und Lieder ohne Worte von Mendelssohn Bartholdy
heraus. Ihre Vielseitigkeit zeigt die Künstlerin mit einer CD "Piazzini
plays Piazzolla". Carmen Piazzini lebt in Darmstadt und hat eine Professur
an der Musikhochschule in Karlsruhe. 1998 erhielt sie den Preis der argentinischen
Presse als beste Interpretin, 2001 den renommierten Tortonipreis.
Der Geiger Werner Grobholz ist Konzertmeister bei den Münchner
Philharmonikern. Er studierte bei Werner Heutling, Max Strub, Wilhelm Isselmann
und Otto Bücher. Als Solist hat er u. a. mit Rudolf Kempe und Sergiu
Celibidache im In- und Ausland höchste Anerkennung gefunden. Darüber
hinaus hat er sich einen hervorragenden Ruf als Kammermusiker erworben.
Zahlreiche Platteneinspielungen als Solist - mit der Academy of St. Martin
in the Fields - und als Kammermusiker belegen seine umfangreiche Tätigkeit.
Werner Grobholz spielt eine G. Paolo Maggini aus dem Jahre 1620.
Peter Wolf studierte an der Musikhochschule in Frankfurt bei Alexander Malzahn und Gerhard Mantel. Später erweiterte er seine Studien am Mozarteum in Salzburg bei Heidi Litschauer, ehe er 1981 sein Konzertexamen in Frankfurt ablegte. 1979 wurde er Preisträger beim Internationalen Musikwettbewerb in Genf. Der Cellist ist seit 1986 Solocellist beim HR-Sinfonieorchester Frankfurt, wo er auch zeitweilig als Konzertsolist verpflichtet wird. Mit dem Orchester bereiste er viele Länder der Welt und spielte eine Reihe von CDs ein. Wolf blickt auf eine mehr als 20-jährige intensive Tätigkeit als Kammermusiker in den verschiedensten Besetzungen zurück. Als ständiges Mitglied des Alvarezquartettes und der Philharmonischen Cellisten Köln gab Peter Wolf unzählige Konzerte in Deutschland und folgte im Laufe der Jahre Einladungen zu Konzerten in Schweden, Ägypten und Japan. Der Künstler spielt ein Vuillaume - Cello aus dem Jahre 1857. |
| Carmen Piazzini comes from
a well-known musical family in Buenos Aires. Her grandfather, a close friend
of Puccini, emigrated from Italy to Argentina. She received her education
with Vincenzo Scaramuzza, Hans Leygraf and Wilhelm Kempff. Concert
hall, radio, television appearances and CDs testify to an impressive solo
career with a wide-ranging repertoire, which stretches from classical to
contemporary music.
She has played with the radio symphony orchestras of Südwestfunk (Michael Gielen) and of Bavarian radio, the Munich Philharmonic (Christoph Eschenbach), the Moscow Symphony and the Symphony Orchestra of Buenos Aires (Leopold Hagen), amongst others. She is a sought-after partner for chamber music and has played with Ulf Hoelscher, Dimitri Sitkovetski, Gustav Rivinius, Peter Wolf, Bernarda Fink, Alicia Nafe and Gabriele Schnaut amongst others. In amongst 50 CD recordings, the recordings of the all of Mozart's piano sonatas and concertos (St Petersburg soloists), all piano sonatas by Haydn and Songs Without Words by Mendelssohn Bartholdy stand out. Her versatility is demonstrated by the CD, "Piazzini plays Piazzolla". Carmen Piazzini lives in Darmstadt and has a chair at the college of music in Karlsruhe. In 1998 she was awarded the prize for best interpreter by the Argentinean press and in 2001, the renowned Tortoni award. The violinist Werner Grobholz
is leader of the Munich Philharmonic. He studied with Werner Heutling,
Max Strub, Wilhelm Isselmann and Otto Bücher. As a soloist,
he has worked with Rudolf Kempe and Sergiu Celibidache, amongst others
and has achieved the highest recognition, both at home and abroad.
In addition he has developed a wonderful reputation as a chamber musician.
Numerous recordings as a soloist - with the Academy of St Martin in the
Fields - and as a chamber musician show his extensive talents. Werner Grobholz
plays a G. Paolo Maggini, built in 1620.
Peter Wolf studied at the college of music in Frankfurt under Alexander Malzahn and Gerhard Mantel. He later extended his studies at the Mozarteum in Salzburg under Heidi Litschauer, and took his recital exam in Frankfurt in 1981. In 1979 he won the international music competition in Geneva. The cellist has been a soloist with the HR Symphony Orchestra, Frankfurt since 1986, where he is also temporarily a concert cellist. With this orchestra he has travelled extensively and made a number of CDs. Wolf can look back over a career as a chamber musician with various ensembles over the past twenty years. As a constant member of the álvarez quartet and the Philharmonic Cellists of Cologne, Peter Wolf has given an incalculable number of concerts in Germany and received invitations to concerts in Sweden, Egypt and Japan. The musician plays a Vuillaume cello, built in 1857. |
| Carmen Piazzini est issue
d'une famille de musiciens réputés de Buenos Aires. Son grand-père
Edmondo, proche ami de Puccini, avait quitté l'Italie pour émigrer
en Argentine. La pianiste fit ses classes auprès de Vincenzo Scaramuzza,
Hans Leygraf et Wilhelm Kempff. Salles de concert, radio, télévision
et enregistrements de CD témoignent d'une impressionnante carrière
de soliste au répertoire largement diversifié, allant du
style classique à la musique contemporaine. La pianiste joua entre
autres avec les Orchestres Symphoniques de la Radio du Südwestfunk
(Michael Gielen) et du Bayerischer Rundfunk, la Philharmonie de Munich
(Christoph Eschenbach), l'Orchestre Symphonique de Moscou et l'Orchestre
Symphonique de Buenos Aires (Leopold Hagen). Chambriste recherchée,
elle se produisit entre autres avec Ulf Hoelscher, Dimitri Sitkovetski,
Gustav Rivinius, Peter Wolf, Bernarda Fink, Alicia Nafé et Gabriele
Schnaut. Parmi les enregistrements phares de ses 50 éditions de
CD, on distingue l'intégrale des sonates et concertos pour piano
de Mozart (avec les Solistes de Saint-Pétersbourg), l'intégrale
des sonates pour piano de Haydn, les Romances sans paroles de Mendelssohn-Bartholdy,
mais aussi « Piazzini plays Piazzolla », dont la publication
a permis à l'artiste de démontrer la diversité de
ses talents. Chargée d'une chaire à l'Ecole Supérieure
de Musique de Karlsruhe, Carmen Piazzini vit à Darmstadt. En 1998
elle remporte le Prix de la Presse argentine en tant que meilleure interprète
et le célèbre prix Tortoni en 2001.
Premier violon solo à la Philharmonie de Munich, Werner Grobholz étudia auprès de Werner Heutling, Max Strub, Wilhelm Isselmann et Otto Bücher. En Allemagne comme à l'étranger son succès de soliste, sous la baguette de Rudolf Kempe et Sergiu Celibidache entre autres, fut considérable. De plus, il s'est forgé une excellente renommée de musicien de chambre. De nombreux enregistrements discographiques en tant que soliste - avec l'Académie de St. Martin in the Fields - et chambriste constituent les ouvrages de référence de sa longue carrière. Werner Grobholz joue sur un Maggini daté de 1620. L'altiste Bodo Hersen, soliste
de l'Orchestre Symphonique de la Radio de Francfort, fut un artiste très
polyvalent. Parallèlement à ses activités de chef
de pupitre et de chambriste, il apporta son concours au festival de Bayreuth
comme altiste soliste. Il bénéficia de l'enseignement de
Helmut Mendius, puis approfondit ses études auprès de Sandor
Vegh et Norbert Brainin qui exercèrent une influence décisive
sur son évolution artistique. Hersen est brutalement décédé
le 21 mars 2004.
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Wilhelm Petersen (1890-1957) gehört
zu jenen Komponisten des 20. Jahrhunderts, die abseits der Avantgarde ihren
eigenen Weg verfolgten. Zwar begleitete er den revolutionären Aufbruch
des Expressionismus mit Einsicht in die Notwendigkeit neu zu entwickelnder
Ausdrucksformen, fand aber um 1925 nach einer experimentellen Phase am
Rande der Tonalität zu einer tonal zentrierten und formal geklärten
Tonsprache. Die im tradierten Material noch schlummernden Entwicklungs-möglichkeiten
interessierten ihn, wobei sich sein kompositorischer Anspruch an der großen
sinfonischen Tradition des 19. Jahrhunderts orientierte. Dabei ging es
Petersen weniger um Wiederbelebung eines romantischen Subjektivismus, sondern
um Konzentration auf das Wesentliche der Tonsprache, was er Besinnen auf
»musikalische Urqualitäten« nannte.
Knüpfen seine ersten drei mit Opuszahlen versehenen Werke an die sinfonische Tradition vor allem Brucknerscher Prägung an, versuchte Wilhelm Petersen in einer kurzen Phase intensiven Schaffens von 1919 bis 1924 sich mit der zeitgenössischen Musiksprache auseinanderzusetzen. Von diesen stark dissonierenden, freilich niemals die Tonalität verlassenden Werken mit stark polyphoner Faktur beließ Petersen jedoch nur seine 2. Sinfonie, op. 4, das Streichquartett, op. 8 und ein Werk für Violine und Klavier, op. 11 in ihrer ursprünglicher Gestalt, während andere Werke dieser Phase entweder umgearbeitet oder ganz aus dem Werkverzeichnis heraus-genommen wurden. Die Werke nach der »Umrichtung des Schaffens« um 1925, wie Petersen es nannte, spiegeln das Bestreben des Komponisten, »den persönlichen Ausdruck gegenüber objektiver Gestaltung zurücktreten zu lassen«. Ein wieder-gewonnenes Verhältnis zu einer individuell erweiterten Harmonik wurde bestimmend: »Tonalität als formbauende Kraft gewann wieder Bedeutung für mich, Chromatik und hochgesteigerte Linearität wurden zugunsten einer klareren Klangform vereinfacht.« Nach erfolgreichen Uraufführungen seiner ersten beiden Sinfonien zu Beginn der Zwanziger Jahre hatte Petersens Namen in Deutschland einen guten Klang. Sein kompositorisches Können und die Wahrhaftigkeit seiner Aussage wurden nie bezweifelt; auch wenn man ihn abseits der geschichtsträchtigen Richtungen einordnete. So zählen zu den wenigen Höhepunkten seines öffentlichen Wirkens die Uraufführ-ungen seiner Großen Messe, op. 27, unter Karl Böhm (1930) und seiner Oper Der Gol-dne Topf (1941). Richard Strauss war einer der Komponisten, die den jungen Wilhelm Petersen beein-flussten. »Strauss, Mahler, Reger«, so Petersen, »waren prägend: Ich fing bei der Moderne an, und habe erst später ein um so intensiveres Studium der großen Meister, vor allem Bachs und Beethovens, betrieben.« Während seiner Studienjahre in München um 1910 wandte sich Petersen dem Musikleben dieser vom Jugendstil geprägten Stadt zu und hier besonders der Neuen Musik von Mahler und Strauss. So gab es im Juni 1910 eine Strauss-Woche mit einem repräsentativen Überblick über das Schaffen des Komponisten. »Mit Strauss tritt eine bis dahin nicht gehörte Elastizität und Schwungkraft in die musikalische Welt ein.... In der Frische und Plastik seiner Musik und in seiner von erstaunlichem Klangsinn gelenkten Instrumentation liegt ein Gutteil seines Welterfolgs begründet«, so Wilhelm Petersen in einem Aufsatz von 1931 über die Musik des 20. Jahrhunderts. Wilhelm Petersens Klavierquartett c-Moll, op. 42, das mit dieser digitalen Weltpremiere nun erstmals auf CD vorliegt, ist eine Umarbeitung einer Sonate für Violine und Klavier, op. 6, die in den Jahren 1921/22 komponiert und 1923 in Bad Homburg uraufgeführt wurde. Petersen nimmt diese Violinsonate aus seinem ursprünglichen Werkverzeichnis heraus und gestaltet sie 1941/42 wesentlich zum Klavierquartett (nun op. 42) um. Der Komponist schreibt über sein 1942 in Mannheim uraufgeführtes Werk: »Das Werk ist insofern anders geartet, als alle Sätze von einer gemeinsamen thematischen Substanz gespeist sind. Die Thematik des ersten Satzes ist nicht nur auf diesen beschränkt, sondern wirkt auch in den Folgesätzen nach - man könnte sagen, dass das Prinzip der Variierung und weiterbildenden Metamorphose hier für den Formorganismus eines ganzen Werkes fruchtbar gemacht wird. Diese Einheitlich-keit der Konzeption lässt auch die Nebenstimmen in erhöhtem Maße am thematischen Leben des Ganzen teilnehmen; daraus ergibt sich eine Harmonik, die, stimmführerisch aufgelockert, kontrapunktischen Notwendigkeiten gehorcht. Statt eines Sonaten- oder Rondosatzes ist der Schlusssatz ein Adagio, das die Ergebnisse des Vorangegangenen in verinnerlichtem Sinne zusammenfasst.« Wolfgang Mechsner, aus Wilhelm Petersen:
Leben und Werk, Biographie mit thematischem Werkverzeichnis. Frankfurt
am Main, THIASOS Musikverlag 1996
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© Wilhelm-Petersen-Gesellschaft |
Wilhelm Petersen (1890-1957) belongs to those twentieth
century composers who pursued their own path, regardless of the avant-garde.
Although he took part in the expressionist revolution, pushing the boundaries
of tonatlity until 1925, he subsequently developed a compositional style
based on conventional form and tonality, respecting the great nineteenth
century symphonic tradition: he was interested in the further potential
which he thought could be found in traditional techniques. Petersen was
less interested in the resuscitation of romantic subjectivity than in "essential
musical qualities" - a concentration on the essentials of tonal language.
His first three works to be given opus numbers are in the Brucknerian symphonic tradition. However, as we know, from 1919 to 1924 Petersen attempted to reflect contemporary musical language, during a short period of intense activity. Of these dissonant pieces, which never quite abandoned tonality but which had strongly polyphonic structures, Petersen left only his second symphony (op. 4), a string quartet (op. 8) and a piece for violin and piano (op. 11) in their original forms. Other pieces from this phase were either reworked or entirely removed from his index of works. The pieces which date from after the 'redirection of creativity' of 1925, as Petersen called this time, reflect the striving of the composer to "allow personal expression to step back in favour of objective creation." A re - claimed relationship to individually - enlarged harmony was defined: "Tonality as a force capable of building form gained new meaning for me, chromatics and intense linearity were simplified for the benefit of a clearer style". After the successful premieres of his first two symphonies at the beginning of the twenties, Petersen's name was known and well-loved in Germany. His compositional abilities and the sincerity of his expression were never doubted, despite his not being a progressive. The high-watermarks of his career were perhaps the premieres of his "Große Messe" op. 27, conducted by Karl Böhm (1930) and of his opera, "Der Goldne Topf" (1941). Richard Strauss was one of the composers who influenced the young Wilhelm Petersen. "Strauss, Mahler, Reger", according to Petersen, were important to his for mation: "I began with the modern composers, and it was only later thatI came to study the great masters, above all Bach and Beethoven, in much depth". During his years of study in Munich around 1910, Petersen enjoyed the city's musical life, shaped by the Jugendstil and especially the 'New Music' of Mahler and Strauss. In June 1910, there was a Strauss Week, with a representative overview of his achievements. "With Strauss there came an elasticity and momentum into the musical world, the like of which had never been heard before… A good deal of his global success resulted from the freshness and structural clarity of his music and the instrumentation, guided by his astonishing sense of tone" wrote Petersen in an essay written in 1931 on twentieth-century music. Wilhelm Petersen's piano quartet in c-minor op.42, of which this first CD recording is also the world premiere, is a reworking of a sonata for violin and piano (op.6), which was written in 1921-2 and premiered in Bad Homburg in 1923. Petersen removed this violin sonata from his original index of works and changed it into this piano quartet (subsequently op. 42) in 1941-2. The composer wrote the following about his piece, which premiered in Mannheim in 1942: "The piece is of particular interest as movements share a common thematic substance. The theme of the first movement is not restricted to it alone but also continues in the following movement - one could say that the principle of variation and developing metamorphosis is fruitful here, for the form of an entire piece. This unity of conception also allows less important movements to take more of a part in the thematic life of the whole. The resulting composition has freer part-writing, but obeys the laws of counterpoint. Instead of a sonata or rondo movement, the conclusion is an adagio, which reflects on what has gone before in an introspective way.” Wolfgang Mechsner, quoted from Wilhelm Petersen:
Leben und Werk Biographie mit
thematischem Werkverzeichnis, Frankfurt
am Main, THIASOS Musikverlag 1996
translation: Jack Day
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© Wilhelm-Petersen-Gesellschaft |
Wilhelm Petersen (1890-1957) appartient à la catégorie
des compositeurs du 20ème siècle qui suivirent une voie personnelle
à l'écart de l'avant-garde. Certes, il accompagna l'élan
révolutionnaire de l'expressionisme, conscient de la nécessité
de renouveler les formes d'expression ; mais au terme d'une période
expérimentale durant laquelle il explora les limites de la tonalité,
il développa vers 1925 un langage musical purement formel et centré
sur le système tonal. S'intéressant aux possibilités
de développement encore latentes du matériau traditionnel,
il orienta son exigence créatrice en fonction du grand héritage
symphonique du 19ème siècle. Mais plutôt que de faire
revivre un romantisme
« subjectif », Petersen se concentra sur un langage musical essentiellement « objectif », qualifiant celui-ci de mémoire des «qualités originelles de la musique». Tandis que ses trois premières œuvres (référencées par un numéro d'opus) renouent avec une tradition symphonique d'inspiration particulièrement brucknérienne, Wilhelm Petersen tenta, pendant une courte période intensément créative (entre 1919 et 1924), de s'intéresser au langage musical contemporain en composant des œuvres fortement dissonantes, à vrai dire toujours tonales et à la facture résolument polyphonique. Petersen ne conserva que la 2ème symphonie opus 4, le quatuor pour cordes opus 8 ainsi qu'une œuvre pour violon et piano opus 11 dans leur forme originelle, tandis que d'autres productions de cette époque furent remaniées ou totalement extraites du catalogue. Les œuvres postérieures à ce que Petersen appelle son « revirement artistique » de 1925 reflètent l'aspiration du compositeur à «diminuer l'expression personnelle vis-à-vis d'une forme objective». Cette inspiration renouvelée fut déterminante dans le développement personnel de son harmonie : « La tonalité, matériau infrangible de construction de la forme, retrouva un sens pour moi, le chromatisme et une linéarité largement accentuée furent simplifiés en faveur d'une sonorité plus limpide. » Suite au succès initial des représentations de ses deux premières symphonies au début des années 20, Petersen acquit une bonne renommée en Allemagne. Son talent de compositeur et la pertinence de ses théories ne furent jamais contestés, même si on classait ce compositeur à l'écart des tendances véhiculées par l'histoire. C'est ainsi que les premières représentations de sa Grande Messe, opus 27, sous la direction de Karl Böhm (1930) et de son opéra Le Vase d'or (1941) comptent parmi les rares succès de ses productions officielles. Richard Strauss fut l’un des compositeurs qui influencèrent le jeune Wilhelm Petersen. En effet, ce dernier considérait « Strauss, Mahler, Reger » comme essentiels : « J'ai commencé par étudier le style moderne, approfondissant d'autant mieux l'art des grands maîtres sur le tard (surtout Bach et Beethoven)». Durant ses années estudiantines à Munich au-tour de 1910, Petersen s'intéressa à la vie musicale de cette ville moderne et particulièrement à la nouvelle musique de Mahler et Strauss. En effet, en juin 1910 une « semaine Strauss » y fut organisée, offrant ainsi un aperçu représentatif de l'œuvre du compositeur. « Strauss apporte une souplesse et un élan encore inégalés dans le monde musical… Son succès mondial repose en bonne partie sur la vigueur et la plastique de sa musique, tout comme sur son instrumentation guidée par un sens sonore surprenant», explique Wilhelm Petersen dans un article de 1931 au sujet de la musique du 20ème siècle. Cette Première mondiale numérique nous offre aujourd'hui un enregistrement inédit du quatuor pour piano en do mineur opus 42 de Wilhelm Petersen. Cette œuvre est le fruit du remaniement d'une sonate pour violon et piano opus 6 (composée dans les années 1921/22) représentée pour la première fois à Bad Homburg en 1923. Petersen retire cette sonate pour violon du catalogue initial de ses œuvres et la transforme en quatuor pour piano (aujourd'hui opus 42) vers 1941/42. Le compositeur écrit au sujet de la première à Mannheim en 1942: « L'œuvre est remaniée de façon à ce qu'une même structure thématique puisse alimenter tous les mouvements; le thème n'est pas emprisonné dans le seul premier mouvement, mais retentit aussi dans les mouvements suivants - on pourrait dire ici que le principe de la variation et de la métamorphose continuelle contribue à nourrir l'ordonnancement de toute une œuvre. Cette conception de l'homogénéité permet également aux voix secondaires de participer plus pleinement à la vie thématique de l'ensemble; en effet, affranchie de la conduite des voix, l'harmonie obéit ainsi à des nécessités contrapuntiques. Le dernier mouvement, ignorant la structure finale d'une sonate ou d'un rondo, regroupe tous ces éléments sous la forme plus intimiste d'un adagio. » Wolfgang Mechsner, extrait de Wilhelm Petersen:
Vie et œuvre,
biographie avec index thématique.
Frankfurt am Main, THIASOS Musikverlag 1996
traduction: Maire Pelletier
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